Cristina Faus Nos Habla De El Barberillo De Lavapiés.

El próximo jueves 28 se estrena en el Teatro de La Zarzuela "El Barberillo de Lavapiés", título importantísimo de nuestro repertorio, y una de las semillas de lo que hoy conocemos como zarzuela. 
La mezzo-soprano Cristina Faus, a la que ya hemos disfrutado en varias ocasiones en el coliseo de la Calle Jovellanos, y con la que tuve el placer de hablar hace un tiempo, ha tenido la amabilidad de concederme una entrevista ante el inminente estreno de la inmortal obra de Barbieri, muy querida por el público madrileño, y que es una de las composiciones más apreciadas de todo el repertorio. Hay que decir que el próximo 12  de abril será retransmitida en directo por Facebook Live, para disfrute de todos los aficionados.

 Muchas gracias Cristina por tus siempre lúcidas impresiones, y por tu disposición a hablar conmigo en todo momento, siempre es un placer hablar contigo.
He aquí el resultado de la entrevista, espero que sea de vuestro agrado, y sobre todo que os haga ir al teatro, que es lo importante.

DP- ¿Que has estado haciendo desde la última vez que nos vimos?.

CF- Pues además de disfrutar de mi familia, que adoro, y trabajar vocalmente a diario cual deportista de élite que es lo que más o menos somos, o al menos con el rigor que si tiene que entrenar para estar ok, también he bailado salsa que me encanta, he hecho audiciones (sembrar para recoger), he grabado "La Vida Breve" de Manuel de Falla con Orquesta Filarmónica de Manchester y junto a un maravilloso elenco, coro y el maestro Juanjo Mena, y que precisamente acaba de salir al mercado estos días.

He debutado un rol que recuerdo que te pedí opinión acerca de él y como siempre quedé encantada de escuharte y leerte. Fue en el Teatro Colón de Bogotá, donde he debutado la Adriana de Gavilanes, bajo la dirección escénica de Ignacio García y la musical del maestro Alejandro Roca. De ahí pasé a hacer varios conciertos con la Orquesta Filarmónica de Bogotá y el maestro Josep Caballé Domenech debutando la fantástica obra "Alexander Nevsky" de Prokofiev... y sigo adelante con la ilusión y el deseo de subirme a un escenario.

DP- ¿Que te supone volver al Teatro de La Zarzuela?.

CF- Es el teatro en el que debuté profesionalmente, mi primer escenario para interpretar de verdad, y fue con la Soledad de "La Revoltosa" y sus maravillosas Guajiras, y poco a poco y gracias a la confianza del teatro, he ido incorporando roles y aprendizaje. Por eso que es tan especial para mi este escenario, además de por su belleza como teatro y su gran equipo de personas que abren sus puertas y nos acompañan a cada una de sus butacas.

DP- ¿Que prefieres cantar, zarzuela u ópera?.

CF- No tengo preferencias, me gusta interpretar y cantar aquellos roles que mi voz y mi cabeza me dejen, porque de lo que se trata es de ofrecer lo mejor de uno ahí arriba y llegar a convencer con garantías de disfrute, y si uno disfruta entonces, el público también disfruta. Así que, igual me gusta cantar "La Paloma" que "La Charlotte" o que la "3ª de Mahler".

DP- Cuéntanos, según tú, que es lo que define a un compositor como Barbieri.

CF- Pues para mí, basicamente las melodías tan belcantistas, con un acompañamiento delicado y una escritura vocal sana. Se canta a gusto y sin aristas, sin tener la sensación de luchar contra los elementos.  Es un gran "vocal-coach", como para mi lo es también Rossini.

DP- ¿Piensas que este repertorio, dentro de nuestra zarzuela, es el que mejor se ajusta a tu vocalidad?

CF- Pues no sé si es el que mejor se ajusta, pero si uno de los que mejor lo hace. Cuando me ofrecen algún proyecto de Barbieri, se que voy a disfrutar vocalmente, ¡y mucho!.

DP- Cuéntanos un poco, como es tu personaje en "El Barberillo de Lavapiés".

CF- "La Paloma" que siento es una mujer efervescente, que le gusta la gente, el barrio, su casa, sus costumbres... una mujer sexy y clara para lo que le gusta, segura y sencilla, que quiere vivir y disfrutar cada minuto del día. Leal, valiente, generosa y arriesgada, para salir adelante en las peores situaciones. Sanzol me ha dejado proponer mucho, y ¡ha comprado gran parte!.

DP- Alfredo Sanzol se estrena en la lírica con esta función. ¿Cómo es trabajar con él?.

CF- Es una persona generosa y con mucho sentido del humor, flexible a la hora de moldear los perfiles de cada personaje, muy humilde y con ganas de aprender, ¡¡ahhhh!! y muy divertido. Le he visto disfrutar de la partitura y cantar y bailar en los ensayos como si él fuese cada uno de los personajes de la escena. ¡Es muy fácil y cómodo trabajar con él!.

DP- Cuéntanos que nos vamos a encontrar cuando veamos "El Barberillo De Lavapiés".

CF- Pues os va a sorprender, creo, la levantada y caída de telón un inicio y fin de fiesta, para mi, muy potente y con un arranque después "alla Barbieri" cuya música dice... ¡todo!.

DP- Y por último... ¿Que destacarías de esta producción?.

CF- Voy a destacar la apuesta escenográfica que se ha hecho, sin riesgo quizá no hay crecimiento, y creo que en este caso "se la ha jugado Sanzol" (a mi me gusta). Quiero destacar el vestuario que es precioso y a mi gran amor... todo el equipazo de bailarines y actores que hacen figuración, bailan, y no cantan porque no los dejan, aunque lo hacen muy bien doy fe, y que os aseguro que a "La Paloma" (Faus), ¡¡¡la hacen crecer con ellos!!!.

Un abrazo Cristina! El jueves te veremos en el teatro!!!


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Santi Senso Nos Habla De "Parir, Volver Al Vientre Materno"

Hace unos días tuve la oportunidad de entrevistar a Santi Senso, uno de nuestros artistas con mas personalidad, y cuyas propuestas no dejan indiferente a nadie. Profundamente implicado emocionalmente en su trabajo, Senso nos cuenta en que consisten sus famosos "Actos Íntimos" y nos deja entrever su forma de ser. Conocer a Santi Senso resulta muy revelador en muchos aspectos, y sobre todo resulta muy humano, ya que su estudio sobre el alma, y sobre su propia persona, sin duda nos sirve de referencia, para aprender a conocernos, sin juzgarnos, solo para mejorar. Reconozco que me impresionó su sensibilidad, la forma en la que desnuda su alma sin ningún tapujo, algo que sin duda se reflejará en el acto íntimo que mañana se estrena en el Teatro de Las Culturas. "Parir, volver al vientre materno", personalísima propuesta de nuestro artista, que estoy convencido que no defraudará a nadie. 

D.P.-¿Cuéntanos como es Santi Senso?

S.S.- Nací para cumplir los deseos de los demás. Mi madre una vez me dijo que ella había nacido para sufrir, y yo le respondí que ella me había parido para hacerla feliz. Para mi ésta conversación lo que hizo fue reafirmar lo que la gente dice mi, que soy catártico, y que he aceptado el poder que tengo. Es importante aceptar tu ego, un ego de autoestima, porque el ególatra aniquila esta vulnerabilidad que tenemos, y que está bien tenerla. Santi es vulnerable, es poderoso, invasivo, si invasivo pero no violo. Escucho y respeto antes de penetrar, pero si que soy invasivo y violento, porque el amor es violento. A veces estamos enamorados de alguien, y esa persona no nos corresponde, eso es violento. También soy muy honesto.

D.P.- Háblanos de tus "Actos íntimos".

S.S.- Los "Actos Íntimos" es un lenguaje, un lenguaje que no he armado yo solo. Un lenguaje en el que yo soy el impulsor, el agitador, pero para el que no soy autosuficiente. El lenguaje de los "Actos Íntimos" tampoco lo es, necesita del alma, del latir y de la pulsión de aquellos que se atreven a vivirlo, porque la dramaturgia está viva. Yo propongo e incorporo esa pulsión del público y el acto se va escribiendo durante su desarrollo. No hay ensayos, no hay pactos, el "Acto Íntimo" es lo que trasciende, eso es lo fuerte, lo que trasciende a lo largo del tiempo. Es ayudar a los espectadores y espectadoras a ser únicos y poderosos. Es la antesala de la vulnerabilidad, esa vulnerabilidad es poderosa. Resulta hermoso cuando alguien te dice lo que ha trascendido y te das cuenta que la dramaturgia sigue viva. También los podemos considerar una antesala al estado mas puro, sin artificios. De ahí la desnudez física, es mas fácil que me penetren y que no tengan prejuicios ni corazas. No en todos salgo desnudo, lo que siempre está es mi desnudez emocional, y eso, si que es violento.

D.P.- Diriges e interpretas ¿Que es lo que más te llena?

S.S.- Lo que me llena realmente es la "no dirección" porque estoy brindado a la dirección del público. Ese es el punto hacia el que hay que ir, cumplir el deseo del espectador, ya que como he dicho antes, estoy en este mundo para cumplir los deseos de los demás. Como diría Almudena Miguelañez, "estoy aquí para dar forma a mi sabiduría".

D.P.-¿En que consiste "Parir, volver al vientre materno"?

S.S.- Cuando he estado con los idígenas mejicanos, y se metían dentro del "temazcal", la chamana me decía que había que volver al vientre materno. Esa era la idea que tenía cuando me planteé el espectáculo, y las palabras de la chamana fueron muy reveladoras. Santi necesita volver a su ex pareja, necesita volver al barrio en el que se crió, volver a mirar a los ojos al profesor que le golpeaba y humillaba. Santi necesita volver al vientre materno para sanar, y después salir a practicar la honestidad del parto. Parir es sentir el dolor, el amor. No es que yo me quiera embarazar o ser papá, no. ¿Por qué la mujer por ser mujer tiene que parir?. ¿Solo la mujer tiene unos sentimientos que el hombre no tiene?. Yo he nacido con la necesidad de parir (se emociona). Hay muchos hombres que me dicen que están frustrados por no poder darle de mamar a mi hijo, y que les daba vergüenza decirlo. He nacido hombre, me siento muy contento como hombre, pero hay unos sentimientos que solo visibilizan los hombres, otros que solo visibilizan las mujeres, y tan solo una minoría visibiliza estados emocionales comunes.

D.P.- Y ya para finalizar... ¿Por qué debemos ver "Parir"?

S.S.- Por escucharnos, por amarnos, por darnos ese permiso de no tener verdades absolutas, y hacer visible lo que es invisible, en esta caso el deseo de muchos hombres de parir, y por el de muchas mujeres que no querían parir y lo tuvieron que hacer. Deben venir porque mi penetración es muy dura y directa, pero si te atreves a dilatarte, mi pulsión y mi honestidad, va a ser muy placenteras.

Me despedí de Santi Senso, con la sensación de ser mejor persona. Lo que planteo es absolutamente cierto, su forma de ser emana luz, no tengo otra manera de explicarlo, y reconozco, que uno siente que recibe un poco de esa luz que despide. Sin duda, aprendí mucho de él, ya que la entrevista que aquí se encuentra condensada por razones obvias, resultó reveladora, emotiva e íntima, tal y cómo los son sus "Actos". Recordad... "Parir, volver al vientre materno" todos los viernes en el Teatro de Las Culturas. Os aseguro que no os dejará indiferentes. 

Alberto Trijueque Pegalajar Nos Presenta Su Nuevo Proyecto

Alberto Trijueque Pegalajar (Madrid 1993) es uno de nuestros directores de escena mas jóvenes y con las ideas mas claras que conozco. Su interés por nuestra zarzuela me llamó la atención, y me animó a asistir a una representación de "Adios a La Bohemia" en la RESAD, de impecable factura e interesante lectura. Su compromiso con la lírica es mas que manifiesto, y por eso en cuanto me enteré de su nuevo proyecto me interesé inmediatamente por el. Nuestro director estrena el próximo día 24 en Nave 73 "Quijano", pieza como no podía ser de otra manera, vinculada al mundo de la música.

En esta entrevista Alberto Trijueque, nos habla de "Quijano" de sus motivaciones y anhelos como director de escena, de música y de teatro. Estoy seguro de que Alberto tiene mucho que contar en nuestros escenarios, y también que nosotros tendremos mucho que contar de él, si no me creéis... id a ver "Quijano" estoy seguro que me entenderéis a la perfección. 

DP-¿Qué tiene la lírica para que te llame tanto la atención como director de escena?

AT-Mi pensamiento lógico y mi trabajo como director de escena se nutre de imágenes. Pensando en la propia escenificación de una obra lírica, paradójicamente la música crea silencio, un silencio que es materia, un silencio que es carne.

Cuando abres una brecha en el silencio y te asomas por la cisura, habitas en un mundo transparente lleno de imágenes, te encuentras en los armónicos que resuenan entre las notas musicales.

Es lo que no oigo, ni veo a simple vista; es el hecho de tener que asomarme por el balcón del silencio a ese mundo suspendido en el tiempo, una epifanía individual, lo que me atrapa de la lírica.

DP-Eres un gran aficionado a la zarzuela, ¿Qué ofrece como género, y que crees que puedes aportar al mismo?

 AT-Las zarzuelas como se representan hoy en día en su mayoría, no deben de ser nuestras casas. Las nuevas generaciones que no hemos crecido con nuestros abuelos escuchando Zarzuelas, debemos librarnos de los estereotipos, ver en la Zarzuela su fuerza primigenia y radical.

Yo admiro a muchos artistas actuales, me han parecido excelentes los trabajos de Paco Azorín y Miguel del Arco en el teatro de la Zarzuela, que para mí han sido dos referentes, y la última producción “24 horas mintiendo” ha sido una revista fenomenal, para mí son luces en un mundo hipertrofiado y lleno de espectros como es el del género lírico español.

Como artistas debemos de ser muy cuidadosos con el hábito que nos vestimos, pues hoy son tiempos de quemar los testigos más que de cogerlos. 

Se deben abrir centros contemporáneos de Zarzuela, las instituciones por mucho que se empeñen no logran seguir la velocidad de la cultura contemporánea. La Zarzuela debe ser extirpada de sus lugares convencionales. En mi compañía, llamada OFF Lírico, no tenemos la panacea de la supervivencia de la Zarzuela ni del teatro lírico en general, pero simplemente nuestra mirada ajena y limpia hacia el género, es política y simboliza cambio.

 DP-Has dirigido también ópera, ¿cual sería la diferencia mas importante con respecto a la zarzuela a la hora de dirigirla?

AT-Pienso en Zarzuela y Ópera como géneros catalogados como tal, de una manera arbitraria, en su sentido más administrativo.

Encuentro mil y una diferencias y ninguna resalta más que la otra y una gran similitud, tanto la Zarzuela y la Ópera tienen un elemento predominante que es el discurso musical

¿Si le quito todo el texto hablado a la Tabernera del puerto deja de ser Zarzuela?

¿Si le meto un ritmo castizo a La boheme deja de ser Ópera?

La gran diferencia entre la Ópera y la Zarzuela, es que la Ópera ha evolucionado acorde a los tiempos. Por toda Europa nos encontramos Óperas estudios, gente joven haciendo Ópera, nuevas producciones… aquí siguen viendo la Zarzuela como un género musical frívolo de la antigua dictadura que ya no interesa, cuando tenemos en el repertorio Zarzuelas desde la época barroca te toda clase e índole, que son totalmente de una rabiosa actualidad.

DP-Cuéntanos un poco que es “Quijano”

AT-Para comenzar, diré que es una obra basada en Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes de teatro físico, en la que los interpretes no se expresan con palabras y en la que se fusiona en directo música del compositor Walter Niemann con música y espacio sonoro del creador Odin Kaban.

En Quijano nos centramos en la figura de Don Alonso Quijano, el hombre cuerdo, partiendo de la premisa que mientras Don Quijote de la Mancha vivía sus aventuras, Alonso Quijano, como otra entidad, se encontraba encerrado deambulando por un no-espacio, por la materialización psíquica de su total ausencia, debilitado, vagando sin tiempo y privado del mundo externo.

La obra comienza en el último capítulo de la novela, con Don Quijote enfermo en la cama, y vemos cómo Don Alonso, acompañado de una informe y vaga presencia arrancada de una de sus novelas de caballería, reflejo del dominio exterior de Don Quijote, que se convierte en Dulcinea, Rocinante, Sancho Panza, el Caballero de la Luna, los molinos de viento…deberá atravesar por las bodas del rico Camacho, los cueros de vino de la venta, la cueva de Montesinos, el Retablo de Maese Pedro…en su débil resistencia a la locura.

DP-¿Que te atrajo de esta obra para ponerla en pie?.

AT-En verdad no la elegí yo, fue mi primer encargo con presupuesto como director para el “IV Centenario de la muerte de Miguel de Cervantes” y siendo estudiante, lo cogí sin más miramiento.

Entonces, me dieron un texto con unas anotaciones coreográficas-dramáticas de un tal Manuel Rosado, que en el año 1950 realizó una Pantomima sobre Don Quijote en Alcalá de Henares utilizando música de Walter Niemann, y me dijeron que lo volviera a reconstruir totalmente a mi modo, con carta blanca de creatividad, decidiendo coger el testigo de la pantomima realizando una obra de teatro físico en la que no se habla y encargándose Germán Labrador (Profesor en el Departamento de Música de la Universidad Autónoma de Madrid) de realizar una versión instrumentada partiendo de una selección de obras de Niemann para la puesta en escena, ya que Manuel Rosado no detallaba en su escrito qué obras eran, ni en que momento sonaban.

Enseguida pensé en Paula Castellano, escenógrafa con la que ya había trabajado en Adiós a la bohemia y en Elisa Forcano, una de esas actrices multidisciplinares que son capaces de robarte la respiración. Como Elisa aceptó, tenía entonces que buscar a un actor del mismísimo nivel y apareció en la ecuación Darío Sigco, que si una quita la respiración el otro se lleva hasta el alma. De la orquesta se encargó Germán, poniendo yo mi granito de arena con Odin Kaban, un excelente músico y creador de espacio sonoro que puso la vertiente electrónica a la pieza y que ha seguido trabajando conmigo en todos mis posteriores montajes y así espero que siga.

Gracias al Corral de Comedias de Alcalá de Henares, estuvimos una semana de residencia en el teatro haciendo que la obra evolucionará radicalmente, profundizando en las ideas, en los movimientos y uniendo totalmente la música electrónica con la de Walter Niemann.

Ahora nos encontramos, después de meses de investigación y ensayos con nuevo material en el festival ClasicOFF de Nave73, con un virtuoso al piano como es Fran Fernández y con muchas miras hacia el futuro.

Para todo el equipo, la función del 24 de Julio supone el estreno absoluto de la pieza.

DP-Dinos por que debemos ir a ver “Quijano”

AT-Aunque parta de Don Quijote de la Mancha, la obra en su esencia trata de una persona enferma a punto de morir.

Quijano no índice directamente sobre la realidad, pero nos acerca al abismo de la muerte y en el filo del acantilado, mirar hacia abajo es un acto muy humano, que nos vuelve más empáticos.

No es una obra ilustrativa sobre Don Quijote. Cada persona del público, individualmente, se asomará a un abismo totalmente diferente, nuestra obra carece de discurso, es un viaje propio y único, en el que el espectador debe completar el significado.

DP-¿Estás abierto a dirigir todo tipo de teatro, o tienes preferencia por la lírica en particular?

AT-Tengo y tienen los vinculantes a OFF Lírico fijación por la lírica y por toda obra que se centre en lo musical, como es en este caso Quijano.

Me encanta trabajar con las imágenes y el teatro físico, pero de momento, todos los proyectos que tengo pensados y firmados para el futuro son con la lírica.

DP- Andas mucho por Londres ¿Es tan diferente la forma de entender el teatro a como lo entendemos en España?

AT-En Londres existe más apoyo institucional y privado para las artes en general y eso hace que se invierta en marketing y haya multitud de ofertas, para que toda clase de personas vayan a los museos, al teatro, se hagan cursos, etc… en todas las obras que he ido el teatro siempre estaba lleno, en cualquier día de la semana.

Madrid, la ciudad en la que vivo, con todas sus dificultades, a mi ver ahora mismo está transitando una etapa bastante dorada, en cuanto a pluralidad de teatro para ver. Este año ha habido mejor programación en Madrid que en todo Reino Unido.

Apoyo al ayuntamiento de Madrid con la propuesta de JOBO, de la que soy un fiel defensor y consumidor y la entrada gratuita a los museos, de otra forma los jóvenes no podríamos ver tanto arte ni teatro, ni re-pensar el futuro de la cultura.

 

DP-Dime algo que te apetezca decir para finalizar la entrevista.

AT-La conclusión es que, a pesar de todas las dificultades, la Ópera y la Zarzuela van a seguir dando de hablar y otorgando a los espectadores momentos maravillosos.

Las nuevas generaciones tenemos valor, creatividad, empeño y constancia.

Solamente, uno tiene que estar comprometido hasta lo más hondo y hacer el teatro que siente. Las ideas deben ser radicales, con apertura, osadas y siempre honestas con uno mismo y en confrontación con el entorno. El teatro no puede ni debe ser un producto de industria, una mera ilustración de la vida, una decoración o distracción pasajera. No debe dejar a nadie indiferente. Las nuevas generaciones de artistas debemos mirar donde otros apartan la vista, somos los hijos de una crisis económica y espiritual, vivimos en un mundo

antropofágico en el que no tenemos nada que perder y en el que no tenemos nada que encontrar. El teatro y la música lírica me ayudan a desorientarme, vivir en lo ignoto, sin resolver ninguna de las grandes preguntas de la humanidad.

Muchísimas gracias por esta entrevista Jonathan / Desde La Platea.

Hablando con... Cristina Faus

La estupenda mezzosoprano Cristina Faus me concedió una entrevista la semana pasada, y he aquí el resultado de la misma.

Cristina es una de las cantantes con mas proyección del momento, y se encuentra realizando trabajos de gran interés a nivel nacional e internacional. Recién llegada de Londres donde ha estado en el Royal Opera House participando en Semiramide con Antonio Pappano al frente, y embarcada en El Pintor dirigido por Albert Boadella en los Teatros del Canal, nuestra cantante no para, muy merecidamente, y se plantea su carrera desde la serenidad y la inteligencia, como una carrera de fondo en la que lo importante es ir poco a poco, pero pisando firme, para llegar a los objetivos de la mejor forma posible.

Hablar con Cristina es sumamente agradable, transmite gran seguridad, y sobre todo serenidad, pero lo que mas llama la atención de su conversación, es el inmenso amor hacia su trabajo, hacia la música y hacia la voz como instrumento. Mujer sencilla, cercana y de exquisitos modales, que conoce a la perfección los resortes de su profesión, de los que habla con total naturalidad y alejada de cualquier afectación. La velada resultó muy interesante y además con un encanto especial, ya que mientras departíamos, una clase de tango imprevista, nos sirvió de mágico telón de fondo a una charla, que guardo ya, con gran cariño. Cristina es cantante, pero sobre todo es mujer de teatro, con muchísimas ganas de seguir aprendiendo, muy consciente de su lugar en el mundo de la música,  muy consciente de las características de su instrumento, y lo que es mas importante hacia donde y cómo encaminar su carrera. 

Uno distingue a un artista a la legua, Cristina Faus, sin duda lo es, y estoy absolutamente convencido que seguiremos escuchando su voz durante mucho tiempo. Con vosotros... Crisitina Faus.

D.P. -¿Cómo empezó tu relación con la música?

C.F.-Mi relación con la música ha estado desde siempre, porque en mi casa somos todos músicos de banda. Si que es verdad que mis hermanos empezaron todos con ocho o nueve años, yo fui la mas tardía, porque era muy vaga. A mi me gustaba mucho imitar y disfrazarme de la Jurado y todas estas cosas, pero a los once años mi padre me llevó a ver a mi hermana Esther que tocaba el violín en  "Las  Cuatro Estaciones " de Vivaldi con la orquesta del conservatorio. Cuando vi a la orquesta y a todos lo violines sonando a la vez de aquella manera... yo le dije a mi padre -"¡Quiero estar ahí!"- y entonces me dijo mi padre... -"Pues estudia"- y me puse a estudiar solfeo.

En mi casa solfeo siempre nos lo ha enseñado mi padre, que es músico, y empecé con la trompa en la banda. A los catorce años ya tocaba también el violonchelo como instrumento de cuerda. Posteriormente estudié magisterio musical, y finalmente canto.

D.P.-¿Como decides estudiar canto después de finalizar magisterio musical?

C.F.-Una vez que empiezo a dar clases, veo que me agotaba muchísimo vocalmente, así que le planteo a mi hermano, que es profesor de trompeta, que me enseñe a respirar, y es él quien me recomienda que me vaya a educar la voz en el conservatorio. Ya algún profesor me  había comentado cuando cantaba solfeo que tenía una voz bonita, y que debería estudiar canto, pero realmente nunca me lo había planteado.

Después de la conversación con mi hermano, hice la prueba de acceso, y la sorpresa fue que me cogieron. Hice las pruebas de acceso cantando "Se tu m´ami" con las manos en los bolsillos , y pensando... ¡¡madre mia!! Yo escuchaba cada chica allí cantando que me dejaron alucinada.

Recuerdo que le pregunté a mi primera profesora de canto (Consol Rico) el motivo por el cual me habían cogido, porque yo no tenía ni una octava, y me respondió que por el color de mi voz, ya que mi instrumento tenía unas características poco habituales, y pensó que se podría hacer un buen trabajo. Así que se puede decir que realmente empecé a estudiar canto para educarme la voz para dar clase a los peques.

D.P.-Tras ganar el "Toti Dal Monte" Zedda te elige para interpretar la Melibea del "Viaggio a Reims" ¿Que tal fue la experiencia?

C.F.- Fue en el 2008, estando haciendo en el Real la ópera estudio de "El Barbero de Sevilla" con Raúl Jiménez como asesor vocal, y con la propuesta escénica de Emilio Sagi. Celsa Tamayo me comentó que estaba Zedda dirigiendo "La pietra del paragone" y que le gustaría que me escuchase. Celsa me consiguió la audición, le canté las dos arias de Rosina aprovechando que era lo que estaba haciendo en ese momento, y ahí me invitó a Pésaro. Me comentó que también tuvo que ver  mi especial color de voz, y en la Accademia Rossini la verdad es que fue todo genial.

D.P.- Si bien es cierto que destacas en el repertorio belcantista, me consta que abarcas otros estilos diferentes. ¿Cual es el repertorio en el que te sientes mas cómoda?

C.F.-Actualmente, y dado que el instrumento de la voz me apasiona, y considero que es un instrumento agradecido cuando lo tratas bien y hay una evolución lógica, en este momento esta evolución me lleva al belcanto, es decir repertorio italiano belcantístico y romántico francés, si bien es cierto que me gusta mucho no especializarse en una cosa, siendo bueno el fluctuar también con el sinfónico, recital, oratorio, etc etc. Bach creo que es un compositor que es una base absoluta, tanto técnica como musical para un cantante. Actualmente estoy muy ilusionada en ir hacia ese belcanto maduro, Rossini, Bellini y  Donizetti, que Zedda recuerdo que me dijo "no te olvides nunca que haciendo un buen Rossini, harás un gran Verdi",  y la ilusión de mi vida es poder llegar a cantar Verdi en condiciones.

D.P.- ¿Ópera o zarzuela?

C.F.- Es que me gustan las dos, el repertorio español, la zarzuela, me encanta. Si es cierto que unos compositores mas que otros, porque  a veces las tesituras son un tanto complicadas, siendo necesario llevarlas a tu terreno. De las cosas que yo he cantado de zarzuela, que no son tantas, si bien he trabajado en el Teatro de La Zarzuela afortunadamente, ahí me he hecho y ahí crezco, empezando con el rol de Soledad en La Revoltosa con Amelia Ochandiano, empezando con roles pequeñitos hasta llegar a roles protagónicos,  y es algo que tengo que agradecer a ese teatro, ya que han pasado diferentes directores artísticos y han confiado en mi. Pero si es verdad que siempre  me atraen mas los compositores mas parecidos al belcantismo italiano, como puede ser Barbieri, que se trata de partituras mucho mas cuidadas. "Galanteos en Venecia" "Diamantes de La Corona" o "Barberillo", que se dará mas adelante si no pasa nada, me apasionan. Pero eso si, si me das a elegir entre ópera y zarzuela no sabría decirte, son los dos  repertorios que me gustaría hacer.

D.P.- ¿Como ves la situación de la lírica en España en estos momentos?

C.F.- A veces estamos viendo que en la ópera hay muchas agencias, y ya está, no teniéndose en cuenta el valor auténtico del artista para hacer el rol, encontrándonos a veces que en una producción van por el cuarto tenor y todavía no han estrenado, porque el cantante falla. Es mucho mas interesante que el director de un teatro sepa el cantante que tiene entre manos, mas que la agencia que tiene entre manos. Esto sería muy importante tenerlo en cuenta. Por tiempo o comodidad hoy en día todo va rápido, pero creo que esto es un error y a veces se echa mano de una agencia que a su vez se sirve de cantantes que funcionan muy bien en disco o determinados formatos, pero que muchas veces eso no es lo que mejor funciona en un escenario, que es la verdad auténtica de lo que un artista puede ofrecer.

Creo que en este país podría haber mas presencia de cantantes españoles, ya que hay voces y artistas españoles muy bueno, sin querer echar piedras sobre los cantantes extranjeros que vienen a nuestro país, pero muchas veces una se plantea que cualquier primer rol lo podría interpretar un cantante de aquí. Estaría muy bien.

D.P.- Una cantante que admires.

C.F.- ¿Te puedo dar varios? Uno es Samuel Ramey, por muchos motivos, su manera de llevar su carrera, su manera de cantar,su manera de evolucionar, es un artista que admiro muchísimo. Otra es Christa Ludwig, que me apasiona. Otra es Mirella Freni, que considero en mi manera de entender Puccini que es una de las mejores voces que lo ha cantado, y por último Teresa Berganza.

D.P.-¿Eres partidaria de las propuestas escénicas tradicionales o de las mas modernas?

C.F.-Depende de lo que se tercie. Considero que se puede abordar una ópera o una zarzuela, de tintes tradicionales, desde un prisma moderno, e incluso a veces es justo y necesario llevarlas, aunque se tenga que prescindir de enseñar la evidencia de algún elemento que se esté nombrando, creo que no es necesario enseñar el elemento para entrar en la historia. Del mismo modo, si una propuesta tradicional es bonita, y está bien hecha, pues también.

D.P.- Compositor favoríto.

C.F.-Podría decirte como compositor español favorito, Manuel de Falla, y como compositor no español favorito, Verdi.

D.P.- Cuéntame tu experiencia en la ROH.

C.F.- Pues atómica, enriquecedora, divertida, formadora. Partiendo siempre de la base que si mi profesor físico vocal es con quien yo puedo trabajar, para mi, Rossini es mi profesor virtual en mi cabeza. Empecé a estudiar canto con una octava, y mi extensión vocal es a través de Rossini. Empecé con trocitos de arias, el día que pude cantar "Una voce poco fa" entera me fui de paellas al Saler, porque me emocioné. Es verdad, si lo trabajas bien es un compositor que cuida vocalmente, es salud vocal. En Covent Garden, estar de cover y trabajarlo con Pappano, era como poder llevar tecnicamente adelante ese Rossini, que tecnicamente a mi me hace tanto bien, con un señor que lo trabaja maravillosamente. ¡Fue para repetir!

D.P.- Profesor o profesora que te haya marcado como cantante.

C.F. Pues te voy a decir una a la que quiero un montón, he trabajado con ella un año y medio revisando repertorio, y es María Orán. María me ha introducido en la elegancia vocal, y a través de ello te das cuenta que tu voz puede ofrecer muchas otras cosas.

D.P- Y ya para finalizar, ¿Que le dirías a los cantantes que están empezando ahora?

C.F.- Que la paciencia, que se pierde siempre, es la mejor maestra que se puede tener. Yo la pierdo siempre, me desespero por cosas que quiero hacer y todavía no estoy preparada, pero hay que tenerla. Una buena paciencia va a alargar tu vida como cantante. Estoy convencida.

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Se acerca el final del año 2017, momento de recapitular como ha ido dicho año para de esta forma saber que es lo que os gusta mas, cuales fueron los títulos que mas os han llamado la atención, y en que tipo de crítica valoráis mas mi trabajo. La verdad es que donde mas visitas, comentarios y debate se ha formado es en el teatro musical en cualquiera de sus vertientes, siendo la zarzuela el género que mas seguís, quizás por varios motivos que me gustaría comentaros. No hay muchos blogs especializados en zarzuela, y mucho menos en crítica de la misma. En ópera la oferta es abrumadora, pero en zarzuela no, y creo que el aficionado ha encontrado en Desde La Platea un rinconcito en el que se habla de nuestro género lírico desde el respeto, el cariño, y en el que intento que no solo se hable de los cantantes y su actuación, sino que se sepa un poco mas de nuestra zarzuela, sus compositores, y diferentes estilos, seguiré por esa línea ya que para mi es un auténtico placer ver zarzuela y luego comentarla, je je je. El teatro musical también tiene importancia dentro de vuestros gustos, en el que ocurre algo parecido que con la zarzuela, con una salvedad, yo siempre intento hacer un análisis no solo desde el punto de vista teatral, sino también musical, que a veces se descuida un tanto en el género musical, aunque poco a poco nos vamos poniendo las pilas y el nivel va subiendo a pasos agigantados, especialmente en un año como el 2017, especialmente importante para la industria de los musicales donde ha habido muchos e importantes estrenos. Ahora mismo en Madrid hay al menos cuatro musicales de primer nivel en cartel y hasta donde yo se, todos con muy buena salud en cuanto al taquillaje, una clara muestra de que cada vez los musicales están mas asentados en el gusto de los espectadores patrios. Otra sorpresa han sido las entrevistas, que empecé a finales del año pasado, y que sin ninguna duda os interesan, al tenor del número de visitas y especialmente de comentarios que suscitan. Las entrevistas son laboriosas de hacer, lo reconozco pero el resultado merece la pena, y son un testimonio de primera mano sobre la situación que viven nuestras artes escénicas vista desde dentro. Nuestros artistas tienen muchas ganas de hablar, así que aquí seguirán teniendo su voz, para expresarse y decir cuanto deseen. Por cierto, en la sección de entrevistas nos espera unas cuantas sorpresas muy jugosas en el próximo ciclo que ya iréis descubriendo.

    

El año que se va he publicado casi 40 críticas, y he visto mas de 50 espectáculos de toda índole, ya que no hablo de todo lo que veo, lo primero porque si considero que no conozco lo suficiente sobre lo que voy a hablar prefiero no hacerlo, y segundo porque realmente a veces me resulta imposible escribir cada vez que voy al teatro. En 2017 he visto teatro, musicales, ópera, opereta, zarzuela, revista, danza, conciertos, recitales, circo y practicamente todos los géneros que conforman las artes escénicas, y si los he visto es basicamente por dos motivos, disfrutar y aprender. No os imagináis lo que se aprende viendo y documentándose sobre los espectáculos, y tampoco os imagináis lo adictivo que es. Cada vez quiero saber mas, y sobre todo cada vez soy mas consciente de lo poco que sé, y lo mucho que me queda por aprender.

Muchísimas gracias por el seguimiento que me hacéis, nunca pensé tener tantas visitas como tengo, y espero seguir en la misma línea, ya que parece ser que es lo que os gusta. Venga no me enrollo mas que parezco una persiana y vayamos con el listado en cuestión.

      

-En el puesto número diez, un musical que está teniendo una estupenda acogida y que sin duda ha sido una de las sorpresas de la temporada, La Familia Addams.

                                               

http://yovoyalteatro.blogspot.com.es/2017/10/la-familia-addams-terrorificamente.html

-En el puesto número nueve,  la entrevista que le hice el pasado mes de julio al barítono Luis Cansino. Luis habló sin pelos en la lengua y parece ser que eso os gustó.

                                                

http://yovoyalteatro.blogspot.com.es/2017/09/hablando-de-teatro-con-luis-cansino.html

-En el puesto número ocho, El Cantor de México.  Una opereta que arrasó en el Teatro de La Zarzuela, por la que yo siento un cariño muy especial, y que ha dejado bien claro que este repertorio interesa y que se debe ser revisado con mas asiduidad.

                                                  

http://yovoyalteatro.blogspot.com.es/2017/10/el-cantor-de-mexico-oda-al-kitsch.html

-En el puesto número siete, Mi Última Noche Con Sara. Musical de pequeño formato con una interesante premisa en el que se nos cuenta a grandes rasgos la vida de "Saritísima" Montiel.

                                                         

http://yovoyalteatro.blogspot.com.es/2017/01/mi-ultima-noche-con-sara-la-montiel.html

-En el puesto número seis, Château Margaux y La Viejecita. Un acertado programa doble de Género Chico en versión libre de Lluis Pasqual.

                                              

http://yovoyalteatro.blogspot.com.es/2017/03/chateau-margaux-y-la-viejecita-pura.html

- En el puesto número cinco,  el clásico de Tennessee Williams Una Gata Sobre Un Tejado De Zinc Caliente, en una producción que si bien es cierto tuvo una irregular factura, os interesó mucho en su momento. 

                                    

http://yovoyalteatro.blogspot.com.es/2017/03/una-gata-sobre-un-tejado-de-zinc.html

-En el puesto número cuatro, Mayumaná Rumba, la novedosa y adrenalítica nueva producción de esta formación que rompe la taquilla allá por donde pasa.

                       

http://yovoyalteatro.blogspot.com.es/2017/01/mayumana-rumba-dando-estopa-romeo-y.html

-En el puesto número tres, La Villana, uno de los grandes títulos de Vives, representado esta vez  de forma muy operística, y que no resultó todo lo satisfactoria que debería haber sido.

                                

http://yovoyalteatro.blogspot.com.es/2017/01/la-villana-obra-maestra-absoluta-de.html

-En el puesto número dos, Billy Elliot, posiblemente la apuesta mas ambiciosa de la cartelera del momento, y con una acabado de altura.

                                

http://yovoyalteatro.blogspot.com.es/2017/10/billy-elliot-un-gran-paso-adelante-en.html

- Y en el puesto número uno... tachán, tachán.... Un Chico De Revista. Una apuesta muy estimable que los aficionados al género frívolo agradecimos infinitamente, y que esperemos que no se quede en solo un oasis en el desierto revisteril que son nuestros teatros. 

                      

http://yovoyalteatro.blogspot.com.es/2017/03/un-chico-de-revista-por-la-puerta-grande.html

Espero que el año que viene mis apreciaciones os resulten igual de interesantes, por mi parte seguiré al pie del cañón intentando contaros "lo que mis ojos ven, mis oídos escuchan, y mi alma siente". Ese es el propósito del blog desde que lo inauguré y seguiré manteniéndolo espero que por mucho tiempo. Muchas gracias a tod@s!